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Nabil AL-ZEIN in arte Nabil : italo-siriano, ama definirsi “artista libero” in quanto è ostile al dogma secondo il quale il percorso di un artista deve per forza culminare in una forma espressiva propria ed immutabile, come segno di maturità artistica che invece secondo lui è un puro ostacolo sia alla genialità che all’inventiva. A conferma della sua tesi, sostiene che già il grande maestro Picasso, padre del Cubismo, è stato poliedrico nella sua produzione e non è mai solo cubista, mentre Michelangelo Pistoletto fuggiva sempre dall’essere identificato con una sola sua opera ma ha inteso volutamente apparire incoerente nei suoi lavori. Gerhard Richter attraversa coscientemente tutte le discipline pittoriche, senza fare distinzioni tra linguaggi che per altri sarebbero assolutamente incompatibili e non fa distinzione tra pittura astratta, monocroma, di figura, “d’après”, gestuale, iper-realista, ma era capace di proporci tutto questo o addirittura di dipingerlo contemporaneamente.
Per Nabil l’unica legge da rispettare in quel cosmo di libertà che si chiama “arte” è il concetto del bello (oggi secondo alcuni non più indispensabile), l’impegno nel lavoro e nella ricerca, l’originalità e la sincerità nell’essere se stessi.
Medico-dentista, scrittore e poeta nonché fotografo, in arte è autodidatta. Si è appassionato fin da giovane alla pittura, ma la sua indole di persona schiva, la riservatezza che lo contraddistingue e una certa dose di timidezza l’hanno indotto ad una riluttanza verso le apparenze e verso ogni atto che lo pone sotto i riflettori. Col tempo ha rotto gli indugi per aprirsi al confronto con tutto il mondo artistico che lo circonda, partecipando a collettive in Italia ed all’estero, installando personali e mettendosi in discussione con concorsi lungo tutto il territorio nazionale raccogliendo premi, riconoscimenti e onorificenze che gli sono piovuti da tutte le parti a testimonianza della valenza e solidità delle sue ricerche e della sua espressione artistica.
Ha iniziato col figurativo, si è poi tuffato nel concettuale per immergersi successivamente nel pieno astratto. Un’insolita metamorfosi in quanto è a corrente alternata che non disdegna il percorso a ritroso, navigando nell’acquarello e compiacendosi nel collage. Ugualmente è astrattista nelle sue sculture.
Ama giocare con i colori, così come comunicare e protestare tramite loro, per questo la sua ricerca l’ha indotto a teorizzare quello che definisce “colore libero per l’artista libero” e che ha caratterizzato una bella fetta dei suoi lavori, nei quali prevale la tecnica mista, i notturni, le sviste al cielo e allo spazio cosmico. Si è confrontato con temi sociali, ambientali, politici e spirituali, ragione per la quale si è trovato meglio nel concettuale fatto di mini collage e caratterizzato dal forte utilizzo di ciò che è più espressivo nel volto umano (occhi, labbra e capelli). Ultimamente ha aderito al Movimento Iperspazialista distinguendosi con un proprio linguaggio espressivo che lo interpreta in questi termini: “La matericità di Van Gogh ha soppiantato la pittura piatta per essere ormai bidimensionale, mentre Picasso col suo Cubismo ha sottolineato l’importanza della visione tridimensionale del soggetto. Solo l’opera del grande maestro Fontana nel suo “Manifesto Blanco” ha posto le basi per la rivoluzione spazialista tridimensionale, volendo guardare oltre la tela.
È passato più di mezzo secolo da allora e la terza dimensione (teorizzata da Fontana e proseguita da Castellani, Bonalumi, Simeti e ultimamente da Giuseppe Amadio con le loro estro ed introflessioni della tela) non può più bastare, nonostante la presa d’atto dell’ampliamento del concetto spaziale nell’era cosmica. Lo spazio è strettamente connesso alla quarta dimensione che è il tempo, per interagire l’uno nell’altro modificandolo (essendo strettamente interdipendenti tra loro) per via del moto, quale segno di vita. Concetto sintetizzato a suo tempo dal genio universale di qualsivoglia forma d’arte e scienza, Leonardo: “Il movimento è il principio di ogni cosa”. A completare il quadro è stata l’opera di Vasilij Kandinsky che nonostante il suo teorema geometrico “Punto, linea e superficie”, ha introdotto prepotentemente la quinta dimensione e cioè la spiritualità nell’arte.
Nabil indaga nelle tracce indelebili della vita, sia nel micro che nel macro cosmo (animale, vegetale o inanimato che sia) e le trova in una forchetta, palla o meteorite che hanno modificato lo spazio della tela nel loro movimento durante il tempo. Lo spazio enucleato dal suo contesto naturale senza più movimento e fermando il tempo non ha nulla a che fare con la vita.
L’artista è vita e l’arte non è mai completamente astratta e fine a se stessa ma è una espressione spirituale di una evidenza materiale, ragione per cui si deve per forza parlare di quello che Nabil definisce “spazio vitale”.